Category Archives: OCCIDENTE TAMBIEN EXISTE

MANIAC COP

http://www.imdb.com/title/tt0095583/

Torpe thriller terrorífico que a lo máximo que puede aspirar es a resultar simpático. Perjudicado por un guión desmañado y una realización excesivamente televisiva, nos cuenta la historia de un antiguo superpolicía que regresa de la muerte convertido en un maníaco homicida casi indestructible. La idea podría haber tenido gracia si hubiese caído en otras manos, pero con el burdo Larry Cohen escribiendo el guión solo se podía esperar una película ramplona, sin aristas, sin ritmo y, para colmo, sin gore. William Lustig se encarga de rematar esta mediocridad con su dirección carente de estilo y sutileza.

Bruce Cambell, en el papel del bueno de la función, está rematadamente soso y poco convincente. En cambio, Tom Atkins, presencia habitual en el cine de terror desde finales de los 70, ofrece una interpretación digna, a pesar de lo manido y plano de su personaje.

William Lustig dirigió varios años antes una malsana y rugosa pieza de terror llamada “Maniac” (sin el “cop”), que al estar mucho más conseguida que esta, auguraba otro futuro para este director.

Pese a todas las imperfecciones mencionadas, la película gustará a los amantes del cine de psicópatas, pues si no se le exige demasiado, es posible que resulte distraída para una mañana de resaca. No se sabe por qué, fue seguida de dos secuelas.

NOTA: 4

Y ahora mirad que película he descubierto buscando el cartel de “Maniac Cop”. ¡Y con Robert Z’Dar, el mismo (encasillado) actor que hace de poli zombie psicópata! ¡Hay que verla!

GUERREROS DEL SOL

http://www.imdb.com/title/tt0091981/

Ochenterismo a ultranza en esta boba e inocente película que solo se perdona por estar dirigida a un público estrictamente juvenil. En un futuro postapocalíptico en el que la tierra se ha convertido en un desierto sin carreteras, los inteligentes jóvenes no encuentran mejor manera de desplazarse que unos patines, tan de moda en los hogares en esas fechas. Más bien parece que a los responsables del cotarro les preocupaba más introducir referencias a otras cintas del mismo género, como Mad Max o Rollerball.

Ante la cámara se pasea un joven Jason Patrick en uno de sus primeros papeles protagonistas, lo cual tampoco es precisamente un aliciente para ver la película, así como un infantil Lukas Haas.

El guión está escrito nada menos que por el otrora excelente Walon Green (“Grupo salvaje”), que intenta subsistir como puede en una década que no trató nada bien a su generación. Lo mismo vale para Maurice Jarre, que nos arroja a los oídos una partitura tan horrible que casi hace que nos olvidemos que es el autor de imperecederas bandas sonoras como “El puente sobre el río Kwai”, “Lawrence de Arabia” o “Doctor Zhivago”.

Lo que si merece la pena es el cartel de la película, en el que aparecen nuestros héroes juveniles en un dibujo más digno de la portada de un cómic o de un videojuego del Spectrum, con la chica llevando un sugerente vestido, que no aparece en la película, con el único fin de exhibir unos pechos varias tallas superiores a los reales.

Aspectos positivos: una esforzada dirección artística y ese aire de diversión sana y falta de complejos tan representativo de los 80. Por supuesto, a destacar también las animadas canciones llenas de sintetizadores con las que nos agasajan por partida doble.

En fin, una película que solo puede mejorar con el paso de los años, al ser tocada por la varita mágica de la nostalgia. Y si la carcasa del VHS es de plástico blando, mejor.

NOTA: 4

MARCADO PARA MORIR

http://www.imdb.com/title/tt0083960/

Vehículo para el exclusivo lucimiento de Chuck Norris nuestro dios, que (¿alguien lo dudaba?) el rubio barbudo no consigue aprovechar. La primera parte de la película propone una intriga sobre casinos y mafiosos, vulgar excusa para que nuestro ranger favorito se pase el resto del metraje repartiendo generosamente sus famosas patadas giratorias. Los esforzados malos se dedican a matar a los seres queridos del protagonista en un infecundo afán de hacer llorar a nuestro pétreo héroe, sin saber que su contrato se lo prohibe y, como Mr. Norris es un chico cumplidor, nunca derrama una lágrima, ya maten a su padre, a su novia, o a su perro.

El responsable de la cutrez es el otrora mediocre y aquí nefasto James Fargo, cuyo momento álgido supuso realizar un par de películas de Clint Eastwood: “Harry el ejecutor”, la flojísima tercera entrega de la saga sobre el poli justiciero, y “Duro de pelar”, en la que un orangután ensombrecía el protagonismo de Eastwood. Como en éstas, pero aún de peor manera, en “Marcado para morir” se muestra la falta de estilo de un realizador televisivo que se conforma con poner la cámara y que las cosas se vean. Ni que decir tiene que las secuencias de acción son un desastre coreográfico, cuyo reducido interés se traduce a adivinar en que patada giratoria se le rajará a Chuck la costura de sus ajustados pantalones setenteros. Seguramente nuestro tejano héroe sepa artes marciales, pero su incapacidad ante las cámaras no le permite expresarlas de una forma cinematográficamente atractiva.

Lo mejor de la película es su localización en Hong Kong, ciudad que ha inspirado y albergado grandiosas películas de acción. Por supuesto, no es este el caso. Eso sí, muy disfrutable acompañada de cerveza y amigos con sentido del humor.

NOTA: 2

SEE CHINA AND DIE

http://www.imdb.com/title/tt0165464/

En esta TV movie, Larry Cohen nos sorprende con un trabajo fuera de los géneros en los que está especializado (es un decir), una suerte de comedia criminal mitad homenaje y mitad parodia involuntaria de los libros y películas de Agatha Christie (y del carcajeante cartel que nos quiere vender otra película) . Lo que no sorprende es su estilo tosco y desmañado, así como su guión poco trabajado, en el que se limita a darle vueltas a una misma idea de forma que consiga alargarla hasta la hora y media obligada, ayudado por momentos de humor poco afortunados, más propios de sitcoms ochenteras tipo “La hora de Bill Cosby”.

La protagonista es una criada repelente, cuyas especiales dotes para la investigación le sirven para ayudar a su hijo policía en la resolución de un caso de asesinato relacionado con el mercado de arte chino. La intriga no funciona debido a la escasa elaboración de sus elementos, y la parte humorística cae a menudo en el ridículo por culpa de una planificación casi amateur.

El título español que aparecía en el VHS de la película era “Mannhattan Conection”. Sí, tan absurdo como la abultada nota de la película en IMDB.

NOTA: 3

LA ESCALERA DE CARACOL

http://www.imdb.com/title/tt0038975/

Atmosférica película de suspense situada casi en su totalidad en la reducida localización de una mansión de una familia rica, entre cuyos familiares se esconde un asesino que tiene atemorizado el territorio. La protagonista es una joven muda que tiene todas las papeletas para ser la próxima víctima.

Pese a haber envejecido, la película está realmente bien rodada, destacando la puesta en escena y la creación de un clima tenebroso y amenazador, gracias a la tenebrista fotografía y a la utilización de logrados efectismos tales como el reflejo de las víctimas en la retina del asesino.

Robert Siodmack, director especializado en el cine negro y el suspense, no tuvo problemas en realizar films de géneros muy dispares, como ejemplifican la genial cinta de aventuras “El temible burlón”o el mediocre western “La gran aventura”.

“La escalera de caracol”, dentro de los cánones del género preferido por su director, es un renombrado clásico del cine de suspense. Y con todo merecimiento.

NOTA: 7,5

APPALOOSA

http://www.imdb.com/title/tt0800308/

Gran western dirigido por el excelente actor Ed Harris, que ya probara suerte en la dirección anteriormente con “Pollock”, sin necesidad de renunciar a su habitual trabajo interpretativo, ya que en ambas se reserva el papel protagonista.

Los objetivos de “Appaloosa” se bifurcan en dos claras direcciones. Por un lado pretende contar una historia de unos personajes que, imbuidos en una época dura, tienen que adaptar y construir su filosofía de vida, a fin de sobrevivir, siendo lo más coherente posible con su moral. Siguiendo la otra dirección, la película constituye un díptico didáctico que aúna en un solo film enseñanzas sobre la evolución del western desde el clasicismo de los años 50 hasta la reflexión postmoderna de los 70, integrando el continuismo revisionista de muchos ejemplos actuales,  que no han hecho más que convertir en fuego la chispa encendida por Cimino con su obra-debacle “La puerta del cielo”.

Centrándonos en la película, diferenciamos claramente una primera parte en la que se utilizan elementos y se homenajean situaciones reconocibles del western más clásico: sheriff que llega a la ciudad, villano que tiene a la población sumida en el terror, captura y retención del villano, duelos prototípicos en el que gana el más rápido en desenfundar… Reconocemos con una sonrisa referencias directas a clásicos como “Río Bravo” (la banda que va a la comisaría a reclamar la liberación de su jefe) o “My darling Clementine” (la figura de Harris en el porche con los pies extendido sobre la madera es un icónico homenaje al Patt Garret interpretado por Henry Fonda en el film de Ford).  A medida que la película avanza, estas formas van siendo dinamitadas al tiempo que se desvela el estilo de Harris como director, caracterizado por un distanciamiento irónico respecto a los patrones más clasicistas y convirtiendo la historia en un relato intimista, al cargar el peso en el desarrollo psicológico de las relaciones entre los personajes principales. Ahora en los duelos ya no triunfa el más rápido, pues los revólveres  están desenfundados antes de empezar a disparar; ahora los buenos ya no se mueven necesariamente en los cauces de la ley, puesto que los valores heroicos que amparaban a Gary Cooper o John Wayne no le sirven a Harris o Mortensen para mantenerse con vida. En definitiva, vemos en esta película un ejemplo didáctico de la transición entre el western clásico y el western postmoderno, demostrando que, al volverse crepuscular, el western se acerca más a una película de época que al género lleno de abstracción en que consistía en su edad de oro.

Como podía esperarse de un trabajo dirigido por un actor, las interpretaciones son en su mayoría magníficas. Ed Harris y Renee Zelweger (ésta simplemente correcta, que ya es más que a lo que nos tiene acostumbrados) componen dos personajes de difícil identificación para el espectador, completados por un excepcional Viggo Mortensen ejerciendo de bisagra entre ambos. Jeremy Irons retrata al típico villano dandy, cobarde, amoral y tramposo, tan reconocible en westerns clásicos, y tan inmortalizado por actores olvidados como John McIntire o Arthur Kennedy, o el más renombrado Robert Ryan. Para terminar, la española Ariadna Gil tiene un papel algo más que anecdótico, no muy complejo pero bien resuelto por la actriz.

En el aspecto visual, se agradece un estilo tan sobrio, construido por planos fijos y calmadas panorámicas y apoyado en una seca y nostálgica fotografía, aunque también es cierto que algo más de inventiva visual habría redondeado aún más un resultado final ya de por sí excelente.

Como anécdota, Ed Harris se atreve a cantar la segunda canción de los créditos. Y no lo hace nada mal.

NOTA: 8

COMEDIA SEXUAL DE UNA NOCHE DE VERANO

http://www.imdb.com/title/tt0084329/

Comedia campestre muy mediocre y sin mucha gracia que pretende ser una parodia de la obra de Shakespeare a la que alude el título. Como en los dramas del inglés, encontramos personajes que cambian de forma de pensar y de sentir de un instante al siguiente, sin embargo, en un contexto más realista no funciona, quedando la apariencia de un guión caprichoso.

De nuevo, unos burgueses acomodados son los que se reunen en una casa de campo con el fin de celebrar una boda. Terminan liándose unos con otros y al final no nos importa quien se queda con quien ni por qué.

Allen se queda a medio camino entre la comedia sexual de situación y la parodia disparatada a lo Boris Gruschenko, atascándose en un terreno indefinido. El final de la película es especialmente aturullado y precipitado, recordandonos los peores defectos de algunas de sus primeras películas

Sólo son destacables positivamente los momentos irónicamente bucólicos y la vis cómica de Allen actor, que hace que la película se aguante hasta el final.

NOTA: 4

STURDUST MEMORIES

http://www.imdb.com/title/tt0081554/

Sin duda, una de las mejores cintas de Woody Allen. El director neoyorkino psicoanaliza a su personaje cinematográfico habitual (que no a sí mismo, como se empeñaron en remarcar muchos críticos del momento) en una especie de “8 y 1/2” particular en el que interpreta a un director en crisis existencial, que no crítica ni comercial, en un momento en que quiere dejar atrás sus típicas comedias de evasión para realizar otro tipo de cine más “serio”.

El argumento, desarrollado en un festival costero sospechosamente parecido a Cannes, ofrece innegables paralelismos con la propia obra del director, que dos años antes sorprendiera eliminando todo tipo de humor en su drama “Interiores”. Pero en este caso estamos ante una divertida y (en apariencia) ligera película, con la que Allen sigue interrogándose con humor sobre el sentido de la vida, aportando grandes dosis de absurdo y surrealismo (el protagonista llega a preguntar a un extraterrestre sobre la existencia de dios). Al mismo tiempo, aprovecha la coyuntura para confeccionar una sátira corrosiva sobre el mundo del cine, mediante un fresco en el que ni los críticos, ni los miembros del espectáculo, ni el público, ni los fans salen bien parados. Eso sí, lo hace con tanto sentido del humor que dudo que moleste a nadie.

Aparte de una enorme fotografía en blanco y negro de Gordon Willis y un trabajo interpretativo excelente (matrícula de honor para Charlotte Rampling), ambos en el nivel acostumbrado, encontramos también aquí una colección de chistes especialmente inspirados.

Como anécdota, nos topamos con una de las primeras y breves apariciones de la actriz Sharon Stone en su camino hacia la cima de Hollywood. No todo podía ser bueno en la película.

NOTA: 9

SEPTEMBER

http://www.imdb.com/title/tt0093940/

Aburrida y mustia película de ochenta minutos escasos que no aporta demasiado a la filmografía de su director. La acción se concentra en el interior de una bonita casa de campo cercana a Nueva York. Durante una noche y la mañana siguiente se nos muestra a una serie de personajes que se encuentran, hablan de cosas sin decir mucho, se separan y al rato se vuelven a encontrar otra vez para volver a declamar más texto. Se perciben influencias de Chejov y de Tenesee Williams, pero con modos y formas completamente descafeinados. Pese a la escasa duración de la película, las escenas están demasiado alargadas y, para colmo, resultan repetitivas y poco naturales. Los rebuscados diálogos, en su mayoría demasiado explicativos, y la realización plana, dan al conjunto una apariencia demasiado teatral. Bonita pero excesivamente bucólica fotografía de Carlo DiPalma.

Por todo lo mencionado, el principal interés que presenta esta película reside en un elemento morboso externo a ella: una vez terminada, Allen, descontento con el resultado, decidió cambiar a la mayor parte de los actores por otros para rodar una nueva versión. Si para Allen esta versión es la buena, no quiero imaginarme como sería la otra. O puede que la otra fuese mejor.

NOTA: 3

INTERIORES

http://www.imdb.com/title/tt0077742/

Primera incursión realizada por Woody Allen en terreno desconocido, si con esto entendemos un alejamiento de la comedia que constituyó su género hasta ese momento, en favor de un tratamiénto dramático de los mismos temas que antes y despues siguiese desarrollando, en este caso focalizados en los miembros de una familia acomodada que, pese a tenerlo todo, no consigue encontrar la felicidad.

Lo que aquí cambia es el tono y la forma, adoptando un estilo de planificación más premeditado, elegante y elaborado, una cadencia más pausada en el ritmo de los acontecimientos y ciertos riesgos formales tales como tomas largas, diálogos en plano general… Son rasgos propios del cine de Ingmar Bergman, director idolatrado por Allen y al que intenta acercarse indudablemente con esta película. Pese a que los signos y formas del director sueco son fácilmente rastreables en la película, en ningún momento podemos hablar de fotocopia, pues la personalidad de Allen es palpable en la temática, en el retrato de los personajes y en la forma en que estos se expresan; y posiblemente sea así porque los universos del neoyorkino y el sueco quizá nunca fueron tan distantes, al fin y al cabo ambos nos han hablado de la angustia existencial de la mediana edad dentro de la clase burguesa, a la que el propio Allen pertenecía.

La película es una gozada visual, gracias a la preciosa fotografía de Gordon Willis y la agudeza y equilibrio de los encuadres. La ausencia de música (incluso en los títulos de crédito) refuerza el tono fúnebre y existencialista del conjunto.

Sin embargo, no todo es redondo en esta película, ya que su general sutileza y economía en el lenguaje se ve a veces desmentida por momentos demasiado ampulosos y literarios,  que se acercan a la ridiculez por su exagerado dramatismo. En todo caso, es una nueva formulación tonal de una misma temática, que nos hace sonreir maliciosamente al recordar como se trata con tal seriedad lo que antaño fuera objeto de burla en la genial “La última noche de Boris Gruschenko”

NOTA: 7